L’installation YOU, ME & YOU est centrée sur une vidéo de longue durée qui a été segmentée en émissions de deux ou trois heures, chacune n’étant présentée qu’une seule fois en cours d’exposition; si vous en ratez une, vous l’avez ratée pour toujours. Annie Gauthier et Milutin Gubash forment un couple. Dans le travail qu’ils font en collaboration, ils s’intéressent au récit, à la performance et aux interactions qui découlent du processus de création. Pour cette œuvre, les artistes prennent leur propre vie comme point de départ, révélant et analysant leurs expériences au fur et à mesure qu’ils les vivent, en solitaire, ensemble ou avec des collègues du milieu de l’art. Dans des séquences représentant, condensant ou reconstituant une journée ou une nuit, ils flânent, vont voir des expos, restent au lit, jasent, s’engueulent, baisent, dorment, rêvent et se rappellent/racontent leur histoire commune.

Annie et Milutin tiennent à ce qu’on les voit quand ils sont idiots aussi bien que sérieux, tendres aussi bien qu’amers, quand ils sont drôles et quand ils sont cons; ils se montrent ainsi tels que nous le sommes tous, vulnérables. Comme l’indique le titre de l’œuvre, le spectateur est absorbé par leur relation. Il ne peut se protéger de cette étreinte franche derrière le cynisme ou l’ironie. Les artistes lui refusent la distance nécessaire pour le faire.

YOU, ME & YOU offre l’occasion pour le spectateur de considérer sa propre vie et ses relations, ses désirs, son besoin d’entrer en contact et de communiquer avec les autres, de raconter ses cancans, ne serait-ce qu’à lui-même, de se remémorer comment il en est arrivé là. Et le récit dans la vidéo se trouve ainsi augmenté, réduit, confronté…

Approaching Stillness s’intéresse au solstice d’été comme à une forme de métaphore enveloppante : c’est le moment où la lumière est à son zénith, où le jour est à son plus long et où le mouvement apparent du soleil s’immobilise, au nord comme au sud : sol (soleil) sistere (se tenir immobile).

Pour ce projet, Vida Simon et Tedi Tafel explorent la superposition d’installation, de dessins projectés et de mouvements à travers résidences dans la galerie et recherche en atelier tout au long de 2009-2010. Les artistes ont amorcé leur travail avec une série de questions : les performances pourraient-elles être des événements microcosmiques qui contiendraient tout le cycle créé par l’inclinaison de la terre, passant de l’obscurité à la lumière et de la lumière à l’obscurité? Comment cette recherche articule-t-elle les notions d’expansion et de contraction du temps et de l’espace? Et finalement, quel est le point de rencontre des actions performatives, quotidiennes et rituelles? C’est à l’intérieur de ces questions et suivant ces pistes que les artistes jouent, cherchent et développent leurs idées.

En juin, les artistes poursuivent leur exploration avec des questions plus précises : comment créer un événement où la relation public/performeur est mobile, de manière à ce que le public participe de plusieurs manières alors que la performance se joue dans différents points de l’espace (tant intérieurs qu’extérieurs) ? Comment l’espace peut-il être utilisé pour accumuler des actions, puis être déconstruit pour révéler la simplicité d’un moment ? Quelle est la relation entre la préparation d’une performance et la performance elle-même ? Comment peuvent-elles toutes deux faire partie de la présentation publique? Cette dernière résidence consistera en une exploration privée dans l’espace menant à une performance de longue durée au solstice d’été.

Le travail de Vida Simon allie le dessin, l'écriture, la fabrication d'objets, le son et les gestes, souvent combinés pour créer des installations et des performances en réponse au lieu. Une passion pour le dessin lie tous les aspects de sa pratique; c'est la forme qui exprime le plus directement son intérêt pour le conte visuel, la matérialité et la corporéité. Elle a présenté son travail dans plusieurs lieux au Canada et sur la scène internationale dont, tout récemment, le Chili et la Lithuanie.

L'artiste montréalaise Tedi Tafel possède une formation en cinéma et en danse. Elle présente son travail dans des lieux non traditionnels et explore les possibilités expressives du corps en contact direct avec des espaces ruraux, urbains et sauvages. Elle s'intéresse aux couches d'expérience situées juste sous la surface de nos manières habituelles de bouger et à la façon dont notre monde intérieur est inspiré et transformé par les lieux que nous habitons.

Texte par Andrew Frosst 

Emmanuel Galland et François Lalumière empruntent à la photographie, à la sculpture et au collage pour jouer avec l’espace architectural urbain à travers l’installation in situ Retourne-moi.

L’architectonique de l’édifice abritant le commerce « La Maison du peintre » et la galerie d’articule est symétrique : on peut parler ici d’effet miroir. Les artistes reproduisent la façade du magasin de peinture dans le « cadre » d’articule, créant ainsi un facsimilé tridimensionnel presque parfait. À croire que le magasin de peinture double sa surface. À moins qu’un tournage cinématographique ne déploie ses décors.

Tous les éléments composant la vitrine de « La Maison du Peintre » (autocollants, logos, grille, objets, néons, publicités, enseigne, etc.) sont répétés aussi fidèlement que possible, mais de façon inversée (copier / coller / flipper) et avec des matériaux recyclés. Poussant plus avant l’idée de décalage et de réinterprétation, les objets recréés sont recouverts de Duct Tape blanc : marques, inscriptions et couleurs, ainsi masquées, s’effacent. À l’enseigne de ce recyclage visuel complet, tout est factice : les artistes ne se revendiquant pas d’une logique illusionniste.

Avec Retourne-moi les deux artistes opèrent des glissements entre le patrimoine et sa préservation, la construction et la rénovation, le réel et son enregistrement, l’original et la copie, le familier et l’étrange, la magie et les trucages,  les faits et les souvenirs, la vérité et le leurre.

Emmanuel Galland est un artiste / commissaire et consultant en cultures et communications. Formé en arts plastiques et en histoire de l’art à l’Université de Montréal, il a exposé ses photographies et installations principalement dans le réseau des centres d’artistes et des musées au Québec. Son travail a remporté des prix et fait partie de plusieurs collections. Fortement impliqué dans le réseau de l’art, il a oeuvré au Centre d’art et de diffusion CLARK, à l’Espace Vidéographe, à MUTEK et au MAI. À une période d’hyperactivité à la fin du XXe siècle, suivent plusieurs saisons de jachère. Puis, ses engagements le mènent à fusionner ses compétences. À titre de consultant, il accompagne plusieurs artistes et organismes/événements culturels. Communicateur et rassembleur, il est aussi cofondateur du MTL ART MAP [www.pavilionprojects.com/map]. Tisser des liens et ne jamais être là où on l’attend caractérisent sa démarche plurielle.

Les collages, installations, sculptures et interventions urbaines de François Lalumière se remarquent par leur utilisation du Duct Tape (ruban gommé) qu’il travaille dans une palette de couleurs élargie. Sa démarche transhistorique aux préoccupations environnementales entremêle un intérêt pour la picturalité et l’ornementation. Il revisite tant les arts décoratifs que les motifs primitifs, les iconographies autochtones que l’abstraction géométrique. Intéressé par la création contemporaine dans son spectre le plus large, il a œuvré dans le milieu du design et de la mode auprès de Denis Gagnon, Azamit, Yso et pour l’hebdomadaire VOIR. Il a exposé à la Galerie FOFA avant de présenter l’exposition « CONTREBANDE / CONTRABAND » – accompagnée d’une publication – à la Galerie VAV. Il suit présentement le programme Studio Arts de l’Université Concordia.

Texte par Amber Berson

Pour HOSPITALITÉ 2 : peu à peu, une vue d’ensemble , le groupe artistique interdisciplinaire PME-ART – Caroline Dubois, Claudia Fancello et Jacob Wren – de même que des participants invités et des membres du public habiteront articule et tenteront de l’activer de façon à susciter une interaction véritable et stimulante entre artistes et participants.
 
Plus de 300 participants seront invités à répondre à une série de questions générales sur le lien social et les communautés. Toutes les réponses, chacune écrite sur un post-it, seront ensuite systématiquement apposées aux murs de la galerie. Au fur et à mesure que le projet avancera, les artistes réarrangeront les réponses en identifiant des motifs et des regroupements. Se dessinera alors graduellement un portrait complexe des pensées des gens. 
 
Dans le contexte élargi de la série Hospitalité, qui s’intéresse aux enjeux et aux stratégies liés à la manière dont des amis autant que des étrangers initient des interactions à la fois utiles, critiques, accueillantes et surprenantes, HOSPITALITÉ 2 : peu à peu une vue d’ensemble  observe ce que nous pouvons apprendre d’une communauté par le biais de brèves entrevues. Cette action propose également un moyen d’arriver, en quelque sorte, à un survol de nos pensées et de nos sentiments (pourquoi, comment et quoi) à l’égard du monde et de la place que nous y occupons.
 
PME-ART offrira l’hospitalité à quiconque se présentera à la galerie, mais vous pouvez également prendre rendez-vous dès maintenant à hospitalite-hospitality@pme-art.ca ou, par téléphone, à 514 284-3113.

Au cours des dix dernières années, PME-ART a présenté ses créations au Québec, au Canada, en Europe, au Japon et aux États-Unis.  On compteparmi ses œuvres récentes THE TITLE IS THE QUESTION (Galerie Léonard & Bina Ellen),  HOSPITALITÉ 1 : le titre change constamment (Studio 303, Rhubarb! Festival et Centre Clark) et HOSPITALITÉ 3 : l'Individualisme est une erreur (Usine C, Harbourfront Centre, Perfect Performance Festival-Stockholm, Inkonst-Malmö, Brut-Wien et FFT-Düsseldorf).

Caroline Dubois travaille en arts visuels, en performance, en danse et en théâtre. Elle collabore notamment avec Julie Favreau, Belinda Campbell, Stéphane Gilot, Silvy Panet-Raymond et Antonija Livingstone; on a vu son travail à Dare-Dare, à Clark, à Tangente, au Théâtre La Chapelle, au FTA, à La Vitrine (Paris), etc.  Claudia Fancello est chorégraphe, interprète et professeure; elle collabore notamment avec Ame Henderson/Public Recordings (Manual For Incidence et /Dance/Songs/) et Martin Bélanger (Grande Théorie unifiée et L’Ère des Ténèbres).   Plusieurs des créations auxquelles elle a participé sont en tournées au Canada comme à l’étranger. Codirecteur artistique de PME-ART, Jacob Wren est auteur et créateur d’œuvres performatives déjantées qu’on a pu voir au Canada, aux États-Unis, en Europe, en Asie et en Océanie.  Auteur des livres Le Génie des autres et La famille se crée en copulant, il écrit également sur l’art contemporain.

Visual documents 

Discussion avec l'artiste

Discussion with Leila Sujir, Rajee Paña Jeji Shergill, and Sharlene Bamboat as part of MONITOR 8: New South Asian short film and video.

Presentation of Gerbes, furtive project by Denis Lessard presented as part of Springtemps.

 Les définitions changent, les frontières bougent, les continents de l'esprit ne cessent de dériver. Comment fugitivement recomposer, relier, réarticuler ce monde fuyant et instable, mais formidablement vigoureux? Parce que l'incertitude et le doute sont autant de stimulants, le projet Springtemps invite à rebondir ailleurs et autrement. Les propositions des quatre artistes présentés s'inscrivent dans cette idée de changement, de renouveau.En plus des événements planifiés, articule se veut, pour toute la durée du projet, un lieu d'accueil, de production et d'échange ouvert aux initiatives spontanées. Cabinet de travail, matière à métamorphose, laboratoire de production, c’est le temps de partager des expériences, de débattre et d'inventer, ensemble. Chacun est invité à fêter ce printemps, toujours riche en rebondissements.

Noxious sector arts collective (canada)

jackson 2bears, ted hiebert, doug jarvis

Nigthmare Induction

Sam kinsley (halifax)

Christian Bujold, Les Murs

Summer Window Project

Documentation visuelle du projet

Documentation du projet Service 1 : Offrir des consultations afin d'aider des individus à déterminer quoi faire avec leur équipement électronique par l'Institut de l'Artéfact.

Documentation of Les Faussaires

Emma-Kate Guimond, Kerri Flannigan, Kandis Friesen

Norman Nowrocki 

L'esthétique anarchiste: l'anarchie et l'art: 1865 - 2012

Soupe and Script

Zoe Stonyck animation

Hésitations -  Emily Hermant

Visual documentation of the exhibition Whose Toes by Barry Doupé

Kristi Ropeleski (montréal) Blue Skies

Léa Jeanmougin (marseille/montréal)

Marie-Michelle Deschamps (glasgow/montréal), Karen Elaine Spencer (montréal) 

Je me souvenir - exposition des membres

Alain Lefebvre (montréal) - How can i tell the difference?

Brigitte Schuster (montréal) 

After years of going to K-Mart every day after he finished working, it seemed appropriate for the old man to die there. It was in the jewelry section in the centre of the store, where his heart stopped beating for good. Ever since his dad died at 60 of a heart attack at K-Mart, he thought that he would/should die at the same age, in the same way and at an equivalent place, such as Walmart or maybe Zellers.

Set around the homes of her parents in Mission BC, Sherry Walchuk’s work is extremely personal and deeply rooted in the desire to draw, paint and build stories. Out of the vernacular and the banal, Walchuk’s work tells stories that precariously take shape through bricolage and acts of trying. The exhibition For my Dad is dedicated to her father, for his upcoming 60th birthday. Inspired by the desire for and the attempt toward change, Walchuk creates a healing space, a warm space, a space of possibility and a space for the future as a gift to her dad for his potential impending death.

Working from memory and imagination, the cardboard spaces that she creates evoke sites of suburban leisure activity. Situated in the yard and outside of the home, where the rules loosen, these spaces become characters in Walchuk’s world. Ultimately, the humanity in these objects allows us to find humour in our own fumbling attempts to move through the world. It forces us to deal with and to be present in the insecurity of being and doing. The point is to make vulnerable, and to give pleasure.

Sherry Walchuk lives and works in Mission BC, and in Montreal QC, where she recently completed her MFA in Painting/Drawing at Concordia University.

Visual document

Documentation of the project Monitoring the Community Meal by Corrie Peters.

Documentation of the window project Beacon by Nadine Faraj.